Мода на искусство: зачем музеи приглашают на работу дизайнеров

Что совместное сотрудничество с музеями значит для модной индустрии

Слушать
Остановить
Музеи современного и классического искусства в России и в мире в последнее время стали все чаще обращаться к модным дизайнерам с предложением сотрудничества. Те шьют для них лимитированные коллекции одежды и аксессуаров, которые музеи потом продают своим посетителям в качестве сувениров. Для дизайнеров же такие коллаборации — шанс поработать с великими художниками и высоким искусством, а порой и войти в историю моды, которая насчитывает немало примеров такого сотрудничества. Что означает этот модный тренд — в материале «Газеты.Ru».

Пушкинский музей этим летом выпустил две модные коллекции, созданные в сотрудничестве с молодыми дизайнерами и приуроченные ко временным выставкам музея. Украинский бренд «TTSWTRS» пошил к выставке про искусство тату толстовки, шелковые платки и боди телесного цвета с оптической иллюзией татуировки на обнаженном теле. В августе российский дизайнер Алена Кочеткова сделала к выставке графики «От Дюрера до Матисса» коллекцию, в которую вошли пижамные костюмы, кимоно, платья и рубахи с принтами, напоминающими карандашные эскизы по мотивам рисунков Дюрера, Рубенса, Мориса Дэни и Юлиуса Шнорра. Основную часть коллекции дизайнер продавала в своем шоу-руме, а более демократичные свитшоты, худи и джинсовки можно было купить в сувенирной лавке музея.

Многие музеи мира привлекают дизайнеров к совместным проектам — в их числе Рейксмузей, Музей ван Гога в Голландии, Лувр во Франции.

На счету Пушкинского музея сотрудничества с брендом Nina Donis к японской выставке «Шедевры живописи и гравюры эпохи Эдо», а также с дизайнером Гошей Рубчинским. В России помимо Пушкинского с дизайнерами сотрудничает музей современного искусства «Гараж», Всероссийский музей декоративного искусства. В последнее время в сувенирных лавках музеев появляются не только магниты и обложки для паспорта, но и модные аксессуары — шейные платки, сумки, кошельки, а в связи с карантином многие музеи выпустили фирменные маски.

«Для нас коллаборация с дизайнером — это прежде всего имиджевый шаг, — рассказали «Газете.Ru» в пресс-службе Пушкинского музея. — Это потенциальный инфоповод, который позволяет познакомить аудиторию музея с творчеством определенного дизайнера, и наоборот: привлечь к искусству клиентов модного бренда». Сотрудничество культурных институций с индустрией моды идет на пользу репутации и тех, и других: показывает готовность музеев поддерживать молодые бренды или же работать с известными дизайнерами. Для них это возможность прикоснуться к высокому или народному искусству, проверенному временем, либо расширить палитру выразительных средств и поэкспериментировать с помощью современного искусства, а также провести историко-культурное исследование и, если повезет, и самим войти в историю.

«В последние годы взаимовыгодные коллаборации стали классикой для разных сфер, в том числе для моды, — пояснил Александр Шумский, глава Российской недели моды. — Наш проект Global Talents Digital мы посвятили теме этичной моды, и речь здесь не только об эко-устойчивости, но и о традициях разных народов мира, ведь уважение к национальным культурам, их репрезентация в одежде в том числе является частью концепции этичной моды».

Студия дизайна бренда Radical Chic, участника Global Talents Digital, в процессе подготовки коллекций изучает текстильные архивы. Совместно с Всероссийским музеем декоративного искусства художники студии восстановили, переосмыслили и создали 40 платков по архивным эскизам. Все работы были показаны на выставке в Музее, а часть из них вошла в основную коллекцию марки. «Мы собираем, выкупаем, восстанавливаем и классифицируем архивы старого текстильного рисунка, — рассказали «Газете.Ru» в пресс-службе бренда. — Однажды к нам в руки попали работы Ростана Тавасиева, художника-орнаменталиста 80-х, который создавал удивительные по своей эмоциональной силе рисунки. Его работы конца прошлого века сравнимы с рисунками западных домов моды Hermès, Versace, Pucci, Cavalli, Dolce&Gabbana, но в отличие от известных кутюрье, художник находился вне профессиональной модной среды, что делает его работы по-настоящему уникальными».

Сотрудничество с музеем позволяет дизайнерам открыть для себя и своей аудитории не только неофициальное или современное искусство, но и традиционное, народное, чтобы в дальнейшем представить его на подиуме и познакомить с ним представителей других культур. Так мода берет на себя фактически музейные функции, сохраняя и передавая визуальные образы.

Боливийский бренд Juan de La Paz видит свою задачу в восстановлении и переоценке местной культуры. Творческий процесс работы над коллекцией зачастую начинается с исследования: в поисках вдохновения дизайнеры обращаются к музеям и каталогам произведений искусства. Источником вдохновения для июньской коллекции бренда стали картины в духе колониального барокко из коллекции Национального музея искусств Боливии. Во время работы над сентябрьской коллекцией дизайнеры работали вместе с музеем Artecampo, где хранится творчество 14 народностей, проживающих на Боливийских низменностях.

«Такие партнерства интересны всем: и дизайнерам, и культурным институциям, и их аудитории, ведь большие идеи выносятся за стены музея, им придается новый смысл, делая их вновь актуальными, — подчеркнули в пресс-службе Пушкинского музея. — Мы все время ищем новые точки соприкосновения моды и искусства. Есть много способов перенести идеи музейной коллекции или экспозиции в повседневную жизнь людей: это и одежда, и аксессуары, а также косметика и парфюмерия». Помимо очевидной популяризации бренда музея, который будут транслировать все, кто купил сумку, футболку или маску с фирменным логотипом в качестве сувенира, распространяться в данном случае будут и сами произведения искусства, имена художников, их идеи.

«Мода – это самая гибкая и изменчивая часть материальной культуры, — считает Полина Уханова, модный эксперт, искусствовед, основательница Школы Мода+Искусство. — Мода быстрее других сфер реагирует на изменения в общественной жизни и мировоззрении людей, а значит, именно через одежду можно наиболее эффективно транслировать свои идеи, а также привлекать внимание к музеям и искусству.

А для дизайнеров это возможность создать не просто одежду, украшение, аксессуары, а настоящие артефакты, за которыми будут охотиться модники и модницы, желая заполучить их в свою коллекцию».

История сотрудничества музеев, художников и дизайнеров насчитывает много легендарных примеров. В начале ХХ века авангардное искусство в России было тесно связано с модой, художники создавали принты для ткани, а скульпторы участвовали в создании модных коллекций. Известная французская кутюрье итальянского происхождения Эльза Скиапарелли в 1930-х внедрила в моду сюрреализм, а в 1965-м году Ив Сен-Лоран создал одну из самых знаменитых своих коллекций на основе абстрактного творчества голландского художника 1940-х Пита Мондриана. У Энди Уорхола было платье с принтом из банок супа Кэмбел, а в 90-е Джанни Версаче переосмыслил уже искусство самого Уорхола и создал знаменитое платье Мэрилин, вдохновлённое главным художником поп-арта.

В XXI веке коллабораций модной индустрии с миром искусства стало еще больше: Louis Vuitton и Николя Жескьер объединились с художником Джеффом Кунсом, который делает скульптуры в форме надувных шаров, Marc Jacobs — с японской художницей Яёи Кусама, а Calvin Klein – с Фондом Энди Уорхола,. К теме искусства в своих коллекциях неоднократно обращались Prada, Peter Jensen, Tom Ford, Jeremy Scott и даже Converse. Знаменитый бал Метрополитен-музея в Нью-Йорке MET Gala, который организует редактор американского Vogue Анна Винтур — пример такой успешной коллаборации, ведь бал всегда связан с темой выставки, которая представляет моду как высокое искусство.

«Современное искусство в моде — отдельная большая тема, выходящая за рамки музеев как зданий, — отмечает Шумский. — Многие известные дизайнеры и бренды владеют собственными коллекциями совриска, и это прослеживается в их коллекциях».

Посмотреть эту публикацию в Instagram

"Bouquet of Tulips" (2016-2019) is a work I created as a donation to the City of Paris in tribute to the victims of the terrorist attacks of 2015 and 2016 in France. The sculpture represents loss, rebirth, and the vitality of the human spirit. All earnings from the royalties of the sculpture go to the associations of the victims' families and a small portion to the City of Paris. The work is located in the Gardens of the Champs-lyses in Paris. Polychromed bronze, stainless steel and aluminum. Height 41' 5". © Jeff Koons. Photo Luc Castel. Courtesy Noirmontartproduction. #jeffkoons #bouquetoftulips #paris #france #publicsculpture #sculpture #art #contemporaryart #tulipsaremyfavorite

Публикация от Jeff Koons (@jeffkoons)

Знаковой можно назвать коллаборацию 2017 года модного дома Louis Vuitton и одного из самых дорогих современных художников Джеффа Кунса под названием «Мастера». Презентация коллекции проходила в Лувре, а репродукции известных полотен в исполнении Кунса появились на классических сумках Louis Vuitton. В коллекцию вошли не только сумки, но и шарфы, брелоки, кошельки и чехлы для ноутбуков. Чуть позже появилась и вторая часть коллекции, в которую вошли сумки с репродукциями знаменитых «Кувшинок» Моне, а также полотен Тёрнера, Мане, Гогена, Буше и Пуссена.

Поделиться: